Una década bajo la influencia

La década que se termina en diez días estuvo muy heterodoxa en materia cinematográfica, sin embargo la ficción que imperó, renovó y dio nuevas luces sobre un tan anhelado cine del futuro fue la animación. En el terreno de la ficción de carne y hueso no hay muchas sorpresas, salvo directores que vienen trabajando desde hace 3 décadas y que siguen rodando películas interesantes, al contrario de la década del noventa del siglo pasado donde el cine si tuvo una eclosión de directores y propuestas cinematográficas de primer nivel y en todo el orbe, destacando la importancia del cine iraní, japonés y chino, en esta década que pasó, algunos de esas propuestas se mantuvieron y otras se estacaron.

Revistas de diferentes nacionalidades emitieron sus juicios y por lo menos hay una cinta animada en sus conteos, tal vez debieron de incluir más, y se aprecia también lo expuesto por nosotros anteriormente, sin ninguna novedad directores que vienen trabajando en sus propuestas desde hace dos décadas atrás brillaron por su impecable trabajo.

Cahiers du cinema elegió las siguientes:

1. Mulholland Drive – David Lynch
2. Elephant – Gus van Sant
3. Tropical Malady – Apichatpong Weerasethakul
4. The Host – Bong Joon-ho
5. A History of Violence – David Cronenberg
6. The Secret of the Grain – Abdelatif Kechiche
7. West of the Tracks – Wang Bing
8. War of the Worlds – Steven Spielberg
9. The New World – Terrence Malick
10. Ten – Abbas Kiarostami

La británica Sight and Sound sumó treinta películas para su listado:

• Adaptation – Spike Jonze
• Battle in Heaven – Carlos Reygadas
• The Beat That My Heart Skipped – Jacques Audiard
• The Bourne Ultimatum – Paul Greengrass
• Caché – Michael Haneke
• Colossal Youth – Pedro Costa
• The Death of Mr. Lazarescu – Cristi Piu
• Éloge de l’amour – Jean-Luc Godard
• The Five Obstructions – Lars von Trier and Jorgen Leth
• The Gleaners and I – Agnès Varda
• The Holy Girl – Lucrecia Martel
• Inland Empire – David Lynch
• In the Mood for Love – Wong Kar-Wai
• Memories of Murder – Bong Joon-ho
• Platform – Jia Zhangke
• Russian Ark – Aleksandr Sokurov
• The Son – Jean-Pierre and Luc Dardenne
• Spirited Away – Hayao Miyazaki
• Talk to Her – Pedro Almodovar
• Ten – Abbas Kiarostami
• There Will Be Blood – Paul Thomas Anderson
• 35 Shots of Rum – Claire Denis
• Touching the Void – Kevin Macdonald
• Tropical Malady – Apichatpong Weerasethakul
• United Red Army – Wakamatsu Koji
• Uzak – Nuri Bilge Ceylan
• Waiting for Happiness – Abderramane Sissako
• Werckmeister Harmonies – Béla Tarr and Agnes Hranitzky
• Workingman’s Death – Michael Glawogger
• Yi Yi – Edward Yang

La biblia de los cinematógrafos, American Cinematographer, hizo una lista de las mejores películas fotografiadas entre 1.998 y 2.008. Las diez mejores fueron:

1. Amélie: Bruno Delbonnel, ASC, AFC (AC Sept. '01)
2. Children of Men: Emmanuel Lubezki, ASC, AMC (AC Dec. '06)
3. Saving Private Ryan: Janusz Kaminski (AC Aug. '98)
4. There Will Be Blood: Robert Elswit, ASC (AC Jan. '08)
5. No Country for Old Men: Roger Deakins, ASC, BSC (AC Oct. '07)
6. Fight Club: Jeff Cronenweth, ASC (AC Nov. '99)
7. The Dark Knight: Wally Pfister, ASC (AC July '08)
8. Road to Perdition: Conrad L. Hall, ASC (AC Aug. '02)
9. Cidade de Deus (City of God): César Charlone, ABC (AC Feb. '03)
10. American Beauty: Conrad L. Hall, ASC (AC March & June '00)

La revista colombiana Kinetoscopio realizó una lista por sus veinte años de existencia, abarcando un periodo de dos décadas, las películas escogidas entre 2000 y 2010 fueron:

2000 In the mood for love
2001 Mulholland Drive
2002 Cidade de Deus
2003 Elephant
2004 Eternal sunshine of the spotless mind
2005 Match Point
2006 Das Leben der Anderen
2007 4 luni, 3 săptămâni şi 2 zile
2008 Gran Torino
2009 Das weisse band
2010 Shutter Island

Directores como Woody Allen, David Lynch, David Cronenberg, Clint Eastwood, Martin Scorsese, Abbas Kiarostami, Terrence Malick, Jean-Luc Godard, es decir, maestros del cine consagrados, se sumaron a esta década con algunos trabajos interesantes y todavía siguen con aliento para la década que está por venir, algunos de ellos están en los ochentas, setentas y sesentas años de edad, con mucho o poco combustible de vida llegaron al 2011.

Otros directores que se consagraron y siguen para el 2011 con propuestas sorprendentes y fascinantes, como Lars von Trier, Richard Linklater, Michael Haneke, Pedro Almodóvar, Jean-Pierre & Luc Dardenne, Joel & Ethan Coen, continúan en la carrera y habrá que esperar que nuevos caminos recorrerán en su cinematografía.

Sorpresas, si es que las hay, son de directores que han sabido mezclar, porque son lo más parecido a un DJ, diversos estilos ya vistos en la historia del cine, pero con el virtuosismo propio que han generado los medios tecnológicos producidos por el mismo cine. Sabio manejo del CGI, espectacular uso del Steadycam, cinematografía en HD, cinematografía en 16 y 35mm con pocas luces, montaje hiperkinético. Algunos de los que brillan en este abarcado son: Paul Thomas Anderson, Gaspar Noe, Michael Mann, David Fincher, Alejandro González Iñárritu, Wes Anderson, Spike Jonze, James Gray, Jacques Audiard, Darren Aronofsky, Wong Kar-Wai.

Mención especial merece el trabajo realizado por PIXAR, auténtica revolución en términos de cine animado, de cine en general y de historias cautivantes para todos los gustos. Lo mejor de la década a ojo cerrado.

La década del 2000 al 2010 fue, en definitiva, una década bajo la influencia. ¿De quién? La única respuesta posible sería el cine por el cine mismo, un auténtico Saturno devorando a su hijo, y, aunque se miré al ombligo constantemente, ya se advierten cambios notables, pocos, pero notables. Ante la fuerte piratería y la notable demanda de excelentes series de televisión, hubo cine y habrá cine de algunos de los creadores mencionados, con pros y contras, con buenas y malas críticas, lo importante es que sigamos observando distintas propuestas e indagando en ellas para así construir nuestro listado personal cinematográfico. Un listado de gustos y preferencias que seguirá generando el interrogante que aún no respondemos, ¿qué es cine?

El cartero ya entregó su carta

Mientras algunos se prepararon para la fiesta de Los premios Nobel, Julian Assange mermó el evento monarquico con su entrega ante los tribuanles del Reino Unido. El fundador de WikiLeaks ha ratificado su derecho a la libertad de prensa numerosas veces, como lo hace en este columna publicada alrededor de la medianoche australiana en el diario The Australian. Assange menciona varios puntos claves de la función de su portal, el cual, según su fundador, ejerce un Periodismo Científco. Una verdadera lección de cómo publicar verdades incómodas.

Don't shoot messenger for revealing uncomfortable truths

IN 1958 a young Rupert Murdoch, then owner and editor of Adelaide's The News, wrote: "In the race between secrecy and truth, it seems inevitable that truth will always win."

His observation perhaps reflected his father Keith Murdoch's expose that Australian troops were being needlessly sacrificed by incompetent British commanders on the shores of Gallipoli. The British tried to shut him up but Keith Murdoch would not be silenced and his efforts led to the termination of the disastrous Gallipoli campaign.

Nearly a century later, WikiLeaks is also fearlessly publishing facts that need to be made public.
I grew up in a Queensland country town where people spoke their minds bluntly. They distrusted big government as something that could be corrupted if not watched carefully. The dark days of corruption in the Queensland government before the Fitzgerald inquiry are testimony to what happens when the politicians gag the media from reporting the truth.

These things have stayed with me. WikiLeaks was created around these core values. The idea, conceived in Australia, was to use internet technologies in new ways to report the truth.
WikiLeaks coined a new type of journalism: scientific journalism. We work with other media outlets to bring people the news, but also to prove it is true. Scientific journalism allows you to read a news story, then to click online to see the original document it is based on. That way you can judge for yourself: Is the story true? Did the journalist report it accurately?

Democratic societies need a strong media and WikiLeaks is part of that media. The media helps keep government honest. WikiLeaks has revealed some hard truths about the Iraq and Afghan wars, and broken stories about corporate corruption.

People have said I am anti-war: for the record, I am not. Sometimes nations need to go to war, and there are just wars. But there is nothing more wrong than a government lying to its people about those wars, then asking these same citizens to put their lives and their taxes on the line for those lies. If a war is justified, then tell the truth and the people will decide whether to support it.
If you have read any of the Afghan or Iraq war logs, any of the US embassy cables or any of the stories about the things WikiLeaks has reported, consider how important it is for all media to be able to report these things freely.

WikiLeaks is not the only publisher of the US embassy cables. Other media outlets, including Britain's The Guardian, The New York Times, El Pais in Spain and Der Spiegel in Germany have published the same redacted cables.

Yet it is WikiLeaks, as the co-ordinator of these other groups, that has copped the most vicious attacks and accusations from the US government and its acolytes. I have been accused of treason, even though I am an Australian, not a US, citizen. There have been dozens of serious calls in the US for me to be "taken out" by US special forces. Sarah Palin says I should be "hunted down like Osama bin Laden", a Republican bill sits before the US Senate seeking to have me declared a "transnational threat" and disposed of accordingly. An adviser to the Canadian Prime Minister's office has called on national television for me to be assassinated. An American blogger has called for my 20-year-old son, here in Australia, to be kidnapped and harmed for no other reason than to get at me.

And Australians should observe with no pride the disgraceful pandering to these sentiments by Julia Gillard and her government. The powers of the Australian government appear to be fully at the disposal of the US as to whether to cancel my Australian passport, or to spy on or harass WikiLeaks supporters. The Australian Attorney-General is doing everything he can to help a US investigation clearly directed at framing Australian citizens and shipping them to the US.
Prime Minister Gillard and US Secretary of State Hillary Clinton have not had a word of criticism for the other media organisations. That is because The Guardian, The New York Times and Der Spiegel are old and large, while WikiLeaks is as yet young and small.

We are the underdogs. The Gillard government is trying to shoot the messenger because it doesn't want the truth revealed, including information about its own diplomatic and political dealings.

Has there been any response from the Australian government to the numerous public threats of violence against me and other WikiLeaks personnel? One might have thought an Australian prime minister would be defending her citizens against such things, but there have only been wholly unsubstantiated claims of illegality. The Prime Minister and especially the Attorney-General are meant to carry out their duties with dignity and above the fray. Rest assured, these two mean to save their own skins. They will not.

Every time WikiLeaks publishes the truth about abuses committed by US agencies, Australian politicians chant a provably false chorus with the State Department: "You'll risk lives! National security! You'll endanger troops!" Then they say there is nothing of importance in what WikiLeaks publishes. It can't be both. Which is it?

It is neither. WikiLeaks has a four-year publishing history. During that time we have changed whole governments, but not a single person, as far as anyone is aware, has been harmed. But the US, with Australian government connivance, has killed thousands in the past few months alone.
US Secretary of Defence Robert Gates admitted in a letter to the US congress that no sensitive intelligence sources or methods had been compromised by the Afghan war logs disclosure. The Pentagon stated there was no evidence the WikiLeaks reports had led to anyone being harmed in Afghanistan. NATO in Kabul told CNN it couldn't find a single person who needed protecting. The Australian Department of Defence said the same. No Australian troops or sources have been hurt by anything we have published.

But our publications have been far from unimportant. The US diplomatic cables reveal some startling facts:

► The US asked its diplomats to steal personal human material and information from UN officials and human rights groups, including DNA, fingerprints, iris scans, credit card numbers, internet passwords and ID photos, in violation of international treaties. Presumably Australian UN diplomats may be targeted, too.
► King Abdullah of Saudi Arabia asked the US to attack Iran.
► Officials in Jordan and Bahrain want Iran's nuclear program stopped by any means available.
► Britain's Iraq inquiry was fixed to protect "US interests".
► Sweden is a covert member of NATO and US intelligence sharing is kept from parliament.
► The US is playing hardball to get other countries to take freed detainees from Guantanamo Bay. Barack Obama agreed to meet the Slovenian President only if Slovenia took a prisoner. Our Pacific neighbour Kiribati was offered millions of dollars to accept detainees.

In its landmark ruling in the Pentagon Papers case, the US Supreme Court said "only a free and unrestrained press can effectively expose deception in government". The swirling storm around WikiLeaks today reinforces the need to defend the right of all media to reveal the truth.

Julian Assange is the editor-in-chief of WikiLeaks.

http://www.theaustralian.com.au/in-depth/wikileaks/dont-shoot-messenger-for-revealing-uncomfortable-truths/story-fn775xjq-1225967241332

La Crayola de Homero

En diciembre de 2010 aparecerá publicado en Estados Unidos el libro Homer´s crayole, escrito por Roderick Jaynes, su aparición en castellano o en coño, es decir, traducción ibérica, será en el mes de febrero de 2011. Una sorpresa del libro es que su autor vivió en Colombia hace diez años y centra muchos de sus temas en nuestro territorio tricolor. Publicamos un fragmento de la introducción del libro, cuyo autor cedió a algunos medios colombianos y ninguno quiso publicar.

Introducción para aceitar La crayola

Si viéramos las cosas desde una óptica más perversa, la realidad no nos cercara tanto. No es casual que siempre estemos en la búsqueda de querer conocer hasta el más mínimo detalle de todo, en especial quienes operan y filtran todo desde el pensamiento convergente. Un pensamiento encaminado a la explicación lógica de las cosas. Pura causa y efecto. Dos más dos...ya sabemos. Ahora nuestra sociedad está más regida por eso que hace años. Explicar causas de la democratización de este pensamiento es entrar en terrenos farragosos, torpes. Una visión de este pensamiento salió estupendamente retratado en un capitulo de Los Simpsons. Homero descubre que la causa de su "torpeza" se debe a que tiene incrustado en su cerebro una crayola, producto de un accidente infantil. Cuando Homero recupera sus capacidades intelectuales, como es de esperarse, se desata el caos: Homero hace reformas laborales, le hace ver a su amiguirijillo que Dios no existe, entusiasma a Lisa con su erudición. Pero al final, todo se va a la divina mierda y Homero para salvarse hace que su añorado Bar Tender le incruste de nuevo la crayola y volver a ser un hombre de pensamiento convergente, es decir, ser otra vez el torpe empleado borrachón y adicto a la televisión. El punto de vista que nos muestra el capitulo es exasperante. Nunca nos gusta que nos digan cosas incómodas. Homero paga el precio de una manera ignominiosa: vuelve a la normalidad.

No es justo que los puntos de vistas diferentes se cataloguen bajo el rotulo de lo incomodo. Colombia es experta en este tipo de censura. Estimulan a odiar siempre y a estar bajo la estúpida consigna de: a favor o a favor. Pero nunca opinar lo contrario. Y si se hace lo contrario tiene que estar certificado por el comité de lo aprobatorio. Algo tonto, ¿cierto? Lo más increíble es que se da con tediosa circularidad. Una circularidad que tiene una categoría propia: Círculo vicioso.

Cuando hay muestras de puntos de vistas contrarios, llamémoslo polémica, la alarma se enciende y, en los últimos tiempos, solo hay una comedia vendible como polémica. La verdadera polémica debe causar terror, fastidio y generar asco para quien no esté acostumbrado a que le saquen la crayola de la cabeza. Porque todos tenemos una crayola alojada en nuestros cráneos. Y ésta funciona a manera de filtro para no abordar el peligro como se debe. Aunque algunos individuos están abiertos a experiencias no ortodoxas, la crayola aparece para fastidiar dicha experiencia. ¿Experiencias no ortodoxas? No ver noticieros, no leer la Revista Semana, reírse de la escritura de los columnistas de El Espectador, anhelar que en la literatura colombiana se suprima la figura del cura, anhelar que se implemente el servicio prepagado en los colegios, desear por todos los medios que el "ex-presidente" Álvaro Uribe Vélez vaya a La Haya. Cosas así son experiencias no ortodoxas. Y existen y queremos verlas, palparlas, experimentarlas, pero la crayola se interpone. Algunos dirán, después de leer este libro, que propongo una especie de libre albedrio postmoderno. El rotulo no alcanza para calificar lo aquí expuesto. Los que esten dispuestos a leer este texto de principio a fin, verán una cadena de sucesos que validan lo que se sabe pero no se dice. Esta aseveración rige este libro de principio a fin ,y el accionar que propone no es Despertar. Porque más despierto que un colombiano imposible. Es el de gozar con toda la impunidad que hay en el ambiente y ejercerla.

No ser tan tímidos como Ingrid Betancourt que no ha puesto las cartas sobre la mesa y se ha auto inmolado con su cuento del secuestro. Ingrid, por favor, despierta, tú no fuiste secuestrada. Secuestrados los huevones que no quisieron educación y se enrolaron en la policía o en el ejército y hoy pagan su elección en medio de alambres de púas. Tú fuiste al Caguán para adquirir la mejor experiencia de tu vida y sacar crédito de ella. Y eso en este mundo no está mal, lo que está mal es vivir bajo el eufemismo y decir que eres una secuestrada. Cuando lo que vivías era una etapa de sublimación que espero se te haya ido. Dicen que el sexo bajo presión es bueno, por lo menos esa es la dinámica del Bondage. Y ya se sabe lo que vivió y fue a buscar la Madame Recamier chibcha a la selva colombiana. Es increíble que muchos medios no hayan hecho hincapié en este impase: confundir sublimación con secuestro. La miopía y la alopecia intelectual es efecto de la crayola. Hay que sacarse la crayola para ver mejor las cosas y opinar sin miedo ante el menor tema, sea la situación de Colombia, como lo hago a lo largo de libro, o la ineptitud de los demócratas en U.S.A, o también sobre los transexuales de Filipinas y su política de ser las nuevas madres solteras del siglo XXI. En este libro se tocan estos temas y más. Pero lo más importante es compartir estas apreciaciones y que el lector al constatarlas hago algo. Ya sea escupir en sus páginas o formar un movimiento político o ser el nuevo Michael Jackson. Es empezar algo y, sobretodo, que deje de leer libros de autoayuda.

Traducción: Karl Uffre.

Anatomia de un Fotógrafo no americano

El 15 de mayo de 1958, el editor francés Robert Delpire da a conocer una obra singular en el mundo de la fotografía. La obra se llama The Americans, publicado bajo el titulo francés de Les Américains, y muestra 83 fotografías sobre U.S.A. La publicación hacía parte de una serie de fotografías sobre varios países. Sobre Robert Frank recayó retratar ese continente en forma de país que es Estados Unidos. Cuando apareció publicado la edición para Norteamérica, las reacciones, como eran de esperarse, fueran encontradas. Se tildó al libro de antipatriótico, amoral, horrible y que no hacía justicia con la imagen tan hermosa que siempre debe mostrarse de AMERICA.

Hoy en día el libro es un clásico y una referencia artística de gran nivel. Muchos han sido los influenciados por el trabajo de Frank, por ejemplo: Jim Jarmusch, Anton Corbijn, Darius Khondji, Christopher Doyle, se han dejado influenciar y seducir por su trabajo y lo han referenciado y homenajeado en sus respectivas obras.

También podemos mencionar el gran trabajo de ilustración creado por Jno Cook y su interpretación personal y fascinante sobre la obra de Frank. En "The Robert Frank Coloring Book "(1), podemos apreciar como abstrae cada una de las 83 fotografìas mediante el dibujo y cómo establace claramente una frontera de lo blanco y lo negro, así como lo logró Frank con sus fotografías mediante su técnica expresionista, aunque él dijo una vez lo siguiente: "the visual impact should be such as will nullify explanation"(2).

Jack Kerouac, quién escribió la introducción para la edición americana del libro, lo dejo bien claro cuando dice sobre el trabajo de Frank lo siguiente: " The Humor, the sadness, the EVERYTHING-ness, and the american-ness of these pictures".

Robert Frank es un fotógrafo capital para quien quiera adentrarse en los terrenos de la fotografía moderna. The Americans, aún sigue cautivando a neófitos, expertos y conocedores del tema, ya cumple cerca de 42 años de haber visto la luz y, como lo hemos expresado arriba, no contó con el beneplácito general, ha ganado adeptos por montones y la influencia del trabajo de FRANK ES INNEGABLE. El escritor español Ray Loriga escribió: "Robert Frank será siempre y para siempre un paradigma de las tirantes relaciones que un artista está obligado a mantener con su entorno, con su tiempo, con la historia del arte y por descontado consigo mismo. La bandera que tapa el rostro de una mujer en la ventana, en una de las más celebres fotos de The Americans, nos permite intuir el valor de un hombre que se resiste con uñas y dientes -como prueba la deshilachada convulsión de sus últimas fotografías garabateadas con mensajes personales e intransferibles- a perder su identidad entre el mundo de los demás. Ahora que la nación creada precisamente a imagen y semejanza del sueño de sus individuos lucha sangrientamente por convertirse en una bandera más dentro del registro cruel de la historia, no es posible concebir a un héroe que haya luchado más duro por desenterrar, descubrir y articular, el verdadero sueño americano”(3).

La mejor forma de diseccionarlo y apreciarlo como se debe es conseguir de alguna forma The Americans. Hojear sus singulares 83 fotografías y después, si gustas, ver la obra restante de Frank. Ahora si podemos entender la canción de David Bowie con Nine Inch Nails, i ´m afraid of Americans.

1. Mira el trabajo realizado por Jno Cook http://jnocook.net/frank/rfcolor1.htm
2. Interesante ensayo sobre la obra del artista http://jnocook.net/frank/frank.htm
3.http://www.elpais.com/articulo/arte/Robert/Frank/Robert/Frank/elpepuculbab/20041030elpbabart_3/Tes
4. Visita si gustas la expo que organizó el MET sobre la obra de de Frank. http://www.metmuseum.org/special/robert_frank/view_1.asp?item=0&view=el

Wiked Game

Es raro escuchar Llorando de Rebekah Del Río y verla en el cuadro de Gabriela Pinilla. Es más extraño, como si esta palabra brillara en éste espacio con suficiente fuerza, leer, antes de entrar, la Introducción de La dama del Tronco al capítulo 1 de Twin Peaks:

“La Razón puede explicar hasta lo más absurdo y siempre hay una razón detrás de cada cosa. Pero ¿tenemos tiempo suficiente para explicar las razones que motivan al tan variado comportamiento humano? Yo creo que no. Pero algunos lo intentan. ¿Son los llamados detectives?

Observa y aprenda lo que la vida enseña”.

Una serie de pinturas bizarras, estrambóticas, intimas, nos espera en un espacio que parece estar contenido en una auténtica composición de David Lynch. Una escena filmada con lente angular.

El cuarto rojo de Twin Peaks abre la escena propuesta por la artista.

Se ve cada pintura y se escucha la banda sonora de cada una de las películas del director norteamericano que componen la exposición. Pero, al estar por varios minutos en ella, solo resalta un nombre y ese nombre es el de Gabriela pinilla, quien ha realizado un trabajo donde brilla el homenaje cinéfilo, la pasión pictórica y su temática atípica que no se queda en el mero reflejo del espacio fílmico contenido en cuadro. El trabajo de Gabriela Pinilla va más allá de esto, en la medida que cada una de las figuras que aparecen en sus cuadros tiene vida propia y son de apariencia retorcida, más de lo que el mismo Lynch hubiera imaginado.

Por eso quienes ingresamos en esta obra quedamos impactados por su nivel sensorial. Una fina mirada ha recorrido la obra de Mr. Lynch para estar en calidad de ojo avizor. Para decirnos con delicadeza ante cada cuadro que posamos nuestra mirada: Observa y aprenda lo que la vida enseña.

Muchas sensaciones se recorren en tan corto espacio. Éste espectador recordó esa famosa escena de Lost Highway, cuando Fred Madison(Bill Pullman) se encuentra con Mystery Man (Robert blake) y tienen el siguiente diálogo.

http://www.youtube.com/watch?v=qZowK0NAvig

Ha sido un placer ver este proyecto llamado Los Búhos no son lo que parecen. Un placer tan delicado como las buenas cosas que escasean en la vida, en especial en el cine y en la pintura. Por medio de la entropía, creo, se unieron el arte de David Lynch y el de Gabriela Pinilla para crear un misterio del cual no nos interesa su resolución, simplemente nos interesa su atmósfera y su persistencia en nuestros sentidos.

Películas pintadas: Eraserhead, The Elephant Man, Blue velvet, Wild at heart, Twin peaks: a fire walk with me, lost highway, Mulholland drive, Inland Empire.

Serie pintada: Twin Peaks.

Ver video sobre las pinturas:

Un misterio llamado Monique Fuentes

Cuando me mostró su cédula no lo podía creer, en ella se leía claramente su fecha de nacimiento: 29 de julio de 1968. Eso fue lo único que me mostró de la cédula, porque su nombre de pila lo cubrió con la mano derecha. Luce bastante joven y muy femenina. No tiene cara de viciosa, como dirían los puritanos, ni tampoco cara de puta, como dirían los machistas, tal vez tiene cara de mamacita, como decimos todos cuando vemos una mujer tan despampanante, y Monique Fuentes es la excepción al caos que vive ahora Medellín, un caos que va y viene. Ella es una actriz porno de las de verdad Una paisa berraca, como dicen las paisas berracas, de una berraquera fascinante y madre de dos hijos. Se sabe muy poco de ella y ella no dice mucho, al fin y al cabo lo que importa es su obra, en últimas es lo que nos interesa a nosotros, quienes admiramos a mujeres como Monique, una chica que encontró en el mundo del porno una posición de poder y política que Colombia no pudo darle.

Se dicen tantas cosas de esta mujer, al principio cuando me interese en ella desistí porque no quería verme envuelto en un callejón sin salida, pero cuando vi la película Mami Culo Grande, enseguida capté que lo mejor era seguir a la actriz y no meterme en discusiones o elucubraciones tontas de querer saber su real nombre, cuántos novios tuvo, con quién se casó, cómo se llaman sus hijos, si paga la EPS, etc.

Su carrera se remonta al mundo del modelaje No Porno, según ella, entró al porno a causa de unas fotos que le tomó su pareja, Jorge Fuentes, y las montó en un web. La respuesta fue abrumadora, como nos dice el mito, y su novio le dijo amablemente que por qué no se dedicaba al porno: Ella como buena paisa que es, le pregunto a sus padres y ellos le dieron el visto bueno. Su papá le dijo: eh, ave maría, si la niña quiere, pues dele mija.

Al cabo de 18 meses de seguir a Monique Fuentes, comenté a mi amigo Daniel Lizcano y a mi primo Nando Barros dos inquietudes, ¿por qué las paisas nos alborotan tanto? ¿Por qué nos embarga su arrechera nata? Ellos me contestaron en coro: métasela a una paisa. No era la respuesta que buscaba pero era una buena opción. Cuando le comenté esto a Monique, ella me dijo: No es solo comérsela. Es contentarla y hacer que le guste, porque si no pasa eso, estás perdido bebe.

Perdido estaba yo de solo verla y escucharla. Una auténtica ama de casa, claro, con la variable de que ella está en el género porno más fascinante para los adolescentes en busca de imágenes para jalarse el caucho: MILF. Estar en la liga MILF para las actrices porno es un incesante tic tac para algunas, porque el tiempo corre y saben que las copulas debe ser muchas para poder seguir en el negocio hasta que el cuerpo aguante, pero Monique no le incómoda eso, no piensa en eso, sabe que el quedan varios años todavía para deleite de muchos y de si misma.

Monique Fuentes, paisa, 42 años, metro setenta y ocho, tetas treinta y cuatro C, culo grande, hablar cadencioso, un auténtico misterio que no vale la pena revelar. Ella es de observar y anhelar y cuando no queda mucho de esto último, lo mejor es ver alguna de sus películas y hacerse una gran paja en su honor. Un honor que los colombianos no apreciamos por estar viendo las caderas que mienten. Las de Monique son de verdad y nos estrellan con gracia hacia todo aquello que no queremos saber. La virtud del culo y la concha de ésta paisa son reales y nos alejan de temas como el de Madame Betancourt.

Es mejor que vean lo que es capaz de hacer ella. Filmografía parcial (1):

* Black Reign 6
* Deception
* Dream Girl
* I Dream of Chaisey
* Lovers & Others
* Mama Mia
* Mami Culo Grande
* Mommy Loves Cum
* More Dirty Debutantes 290
* New Wave Latinas 3
* Phallic Angel
* PROs
* Quench
* SexZ Latinas
* Welcome to the Valley 4

Casi todos los actores que han trabajado a su lado, caen enamorados. Pero ella sabe que negocio es negocio y el amor no le interesa dentro de la pantalla, solo sexo sano y saludable. En un chat lo deja bien claro:

Monique: "Latin people think that if you work in porn, you are a prostitute.

"Before, people knew nothing about me. Now... Everybody was like kaboom. I'm famous."

Monique says she hasn't had any bad experiences in porn, just some unpleasant ones. "I don't need a man who's beautiful or handsome. What is most important for me is that he is clean."

Jorge: "She has a problem that all these guys fall in love with her. They want to make love to her. They want to kiss her. They want to do things that are not professional. This gentleman today [Grant Michaels, ex-boyfriend of Kim Chambers] was very professional. He was clean, nice, considerate. He was asking if she was ok."
Monique agrees.

Jorge: "In the beginning, guys were pushing her to do more during the stills and breaks. She didn't know better."

Monique says she doesn't like to kiss strangers. The act is too intimate.

A few days ago, Monique had sex with a black man for the first time (with Justin Slayer). "It was a special situation. I knew him. We had good chemistry. He paid me well. He was clean. He took me to dinner and dancing."

Jorge: "One of her limitations was no interracial. She met Justin at the World Modeling office. He was cool and nice. They connected as friends. She felt comfortable. She felt like she was working with a buddy."

I asked Monique if she played a role in killing Colombian drug lord Pablo Escobar. She laughs hard. (2)

Así es Monique Fuentes. Un misterio proveniente de una tierra de mujeres cálidas y de amplia berraquera. Como lo pude comprobar al dejar de hablar con Monique. Llamé a una amiga paisa llamada Paulina Gómez y le pregunté sin pudor, respeto, vanidad, compasión, por qué las paisas son tan arrechas. Paulina me contestó: ay, papito, una vez que pruebas la arepa, te gusta el fogón. ¿Tengo que agregar algo más?


1. En este inocuo WEB hay unas cuantas pistas sobre la vida y obra de la señora.
http://www.ultraforos.com/foro/videos/53350-monique-fuentes-pornstarcolombiana.html

2. Chat tomado del WEB http://www.lukeisback.com/archives/updates/041125.htm

Una guía para amar a Nina hartley

Advertencia: si tienes problemas éticos u religiosos con la pornografía no leas lo siguiente. Si no te has masturbado en esta semana, tampoco lo hagas. Si no has visitado y revisado con orgullo y coraje numerosos webs pornos, entonces deja de leer esto.

A veces definir a una mujer del calibre de Nina Hartley es muy complicado. Nina en sí es un mito, una rebelión, un sex-symbol, una Queer, como se autodenomina ella misma, una patada en el estómago para las feministas pusilánimes y una bofetada al ego del macho más macho. No podemos rastrear una Biografía de Nina porque sus fantasías son de dominio público, en la web, y de dominio privado para quien quiera volcarse en sus videos educativos o películas.

De ella se dice que nació en el 57, en el 58, en el 59. Mejor no entremos a divagar en su edad. Nina está es sus cincuentas. Con un gran culo y grandes tetas y buenos procedimientos quirúrgicos, como toda estrella del porno, igual ellas impusieron ese estilo, ahora copiado por las presentadoras de farándula, que no son putas, no son actrices, no son actrices porno, no son prepagos, ni nada. Puro maniquí.

Nina es la auténtica progresista. No Barack Obama. Viene de una familia alemana-judía, de padres comunistas, que tuvo que mentirles por dos años, para no revelar su actividad profesional: ser una actriz porno. Y eso que su familia es medio progre. Tía gay, Madre feminista, Comunismo por doquier. Nina siempre supo lo que quería ser. Deseaba fornicar con todos y ser filmada. Algo que ha logrado, pero como meta primaria, porque el verdadero poder de este mujer radica en su postura anárquica dentro del mundo del porno. Le gusta tanto chupar y culiar con hombres y mujeres que no es capaz de abandonar su estatus. Nunca lo hará y cuando le llegue la hora de colgar los guayos, seguirá dando cátedra sobre el arte del SUCK and FUCK.

La pedagogía del sexo que imparte la Señora Hartley es única. Deberían de contratarla en Cosmopolitan, junto con Alexandra Rampolla, para que hagan un buen dúo y, porque no, cumplir mi fantasía de ver a Alexandra bajo el poder de Nina con un Dildo y así la puertorra con su melodiosa voz intercambie datos de estilos, posturas, juguetes, con esa Master and Comander del SUCK and FUCK.

Dentro de la pornografía rara vez hay diálogos chistosos, solo situaciones, acciones o los famosos Bloppers de flatulencias, corridas sin objetivo, posturas incómodas que terminan en caídas, calambres, etc. Nina dialoga siempre. Escuchen y lean bien: DIALOGA. Sea un Bondage, Threesome, Gonzo, ella destaca por su risa y sus comentarios jocosos durante el acto. Recuerdo haberla visto en una escena MILF donde le dice al “chico de 16 años”, Baby, don´t Worry, It´s just fun. El joven aprieta la cara ante la descomunal succionada que le propina la Dama del XXX.
Ha expresado siempre su firme decisión de considerarse femenina y no feminista de marras. Buena elección. Ha expresado numerosas veces que ella es de Hard-Porn y no bobaditas tipo la franja erótica de Cinemax. Doble aplauso para ti, Blondie. Ha realizado, junto con su esposo, su versión de La Historia de O, llamada, ““O-The Power of Subimission”. Una película fascinante. Ovación total.

¿Por qué debemos amar a Nina Hartley?

1. Porque moja pantalla en Boggie Nights y sale bien librada y deja a todos con ganas de más.

2. Es una verdadera sexóloga y para eso están su serie de videos educativos Nina hartley´s: A guide to …

3. Ha realizado alrededor de 600 o más títulos con total determinación.

4. Comenzó a los 25 años con una Diva del calibre de Juliet Anderson, quien la introdujo para nosotros.

5. Estuvo con los pioneros del Cine Porno: Los Hermanos Mitchell.

6. La mejor actriz chupando y haciendo pajas.

7. Convivió con un hombre y una mujer por varios años.

8. Por su exquisito gusto para el jazz: John Coltrane, Charlie Parker, Miles Davis, Ornette Coleman.

9. Porque es la mejor mezclando la comedia con el porno. Algo muy difícil de hacer.

10. En su video educativo sobre sexo durante la orgia perfecta suelta una perla del putas: “todo esto es chupar y culiar”.

Así es Nina Hartley. Eso es todo. Chupar y culiar. Ella para mi es la Meryl streep del porno. Algún imbécil me dirá, “Nina es la Madonna del porno”. Mejor que se calle porque el Olimpo dentro de las actrices del cine porno, ella ocupa un sitial de honor como el de Miss Streep. Porque Nina Hartley jamás cantaría like a virgin, y mucho menos Secret. Mejor terminemos este articulo y la visión del porno en palabras de la dama: “Hay algo para todo el mundo, desde besitos, besitos, besitos, hasta un bate de beisbol por el culo”(1). Palabras sabias.

1. Entrevista http://popular1.com/revista/articulos/entrevista-nina-hartley/
2. Visita su web www.nina.com
3. Escriban su nombre en cualquier web Porno y, por lo menos, verán una escena suya. Recomiendo: www.spankwire.com
4. Adquieran alguno de sus videos educativo. Charla, comedia e información de oro puro para cualquier inquietud u problema sexual.

Pequeña serenata nocturna

Al comienzo de La Cinta Blanca (Das Weisse Band, 2009), escuchamos al narrador sobre fondo negro decir: “No sé si la historia que quiero contarles es enteramente verdadera. En parte, la conozco por haber oído hablar de ella. Después de muchos años, varias cosas permanecen oscuras, y muchas preguntas continúan sin respuestas”. Si el Narrador nos advierte que la historia que veremos a continuación se halla en un área gris, las preguntas de rigor que podemos formular son ¿Qué fue lo que sucedió? o ¿cómo esto pudo suceder?, y este último interrogante puede surgir al final del film. La Cinta Blanca es una película de Michael Haneke (la profesora de piano, Funny games, caché), y por ello, debemos estar atentos a la reflexión que nos plasma con mano de hierro en cada uno de sus films. Las películas de Haneke no son entretenimiento, como él mismo lo ha expresado, son, si queremos etiquetarlas de una manera amable, incómodas. La incomodidad surge cuando sabemos, intuimos, reflexionamos, al igual que el Narrador de la película, cómo pudo ascender el nazismo y dejar las graves secuelas en la sociedad donde floreció.

El film nos ubica en los albores de la primera Guerra Mundial, en un pueblo al norte de Alemania bajo el dominio de la religión protestante. En este pueblo comienzan a ocurrir extraños sucesos: un Doctor viene en su caballo y es derrumbado por una cuerda “invisible”, un niño desaparece y es hallado con graves señales de abuso físico, El Pastor del pueblo imparte lecciones de moral a través del castigo físico para purificar el alma de sus hijos.

Estas acciones las observamos con molestia, repulsión e incomodidad. Pero Haneke no da tregua en ningún momento y continúa su relato con maestría y coherencia para que presenciemos el horror al que están “sometidos” los niños. Y los niños juegan un papel decisivo en ésta sociedad, el film nos pone en una encrucijada con dos tesis Freudianas, en este caso interrogantes, ¿son los niños inocentes? ¿los accidentes existen?, pero como nos lo han expresado al inicio: “…. Después de muchos años, varias cosas permanecen oscuras, y muchas preguntas continúan sin respuestas”.

Nuestra perplejidad se ve abrumada minuto a minuto en esa realidad llena de desosiego. La Cinta Blanca es un film para todo el público, en especial para aquellos espectadores que buscan grandes riesgos y respuestas nada fáciles. Tenía razón el crítico español Carlos Boyero cuando escribió: “El bisturí de Haneke da miedo”. Yo le agregaría: asco, fastidio, desolación y culpa. Un film que hace de la tragedia un perfecto vínculo para que nunca la callemos y sepamos que ésta ocurre delante de nosotros, pero la culpa nos embarga y siempre buscamos a quien señalar.

Hombres de violencia

Martin Scorsese se ha autodenominado varias veces como un director de contrabando y en Shutter Island (2010) aplica esa sentencia con implacable certeza y coherencia. El mundo visto desde la pesadilla que ha concebido el hombre no es una obsesión reciente en este director, su cine se ha visto nutrido de este apotegma cada vez con mayor ahínco, acusarlo de pesimista sería una desfachatez. La violencia como la más primaria y, aunque nos cueste aceptarlo, verdadera forma de comunicación ha permeado todas sus películas, en especial aquellas donde se han visto la psiquis más virulenta del hombre (Taxi driver, Raging Bull, Goodfellas, Cape Fear, Casino, Bringing out of dead), decir que Scorsese es un obseso por la violencia sería entrar en discusiones bizantinas, por un lado el sabe que la violencia es un tema incólume del cine, y por otro, la ha registrado con una pasión estética para que causa nuestro desprecio y fascinación también, ejemplo de esto es la tan mentada secuencia final de Nicky Santoro(Joe Pesci) en Casino, ¿para qué quedarnos en la sala de cine cuando observamos a hombres con bates y dispuestos a acabar con la vida de este gangster? ¿Será que teníamos que ver su merecido? Esa es la peculiaridad de su cine que lo hace tan vivo y de mirada introspectiva cuando ahonda en personajes en estado de psicopatía.

En su última película no hace ninguna excepción para demostrar o, tal vez, comentar, que tan dispuestos estamos a dejar que un hombre en pleno estado de “trauma” (1), nos diga cosas que pueden ser ciertas y no queramos verlas como tal. El viacrucis (2) que vive la última criatura de Scorsese, Teddy Daniels, nos altera como espectadores una vez comenzada la función. La niebla se desvanece para dar imagen a un transbordador en una imagen que parece digna de una lámina Roscharch, dentro de este encontramos a Daniels diciéndose a sí mismo que se comporte, que se normalice y vemos como el personaje a pesar de lo alterado que está, cree poseer control de la situación como se lo quiere hacer ver a su compañero Chuck Aule. La música de Krzysztof Penderecki nos conduce a Shutter Island, donde está situado el instituto mental para los pacientes más peligrosos, y una vez cerradas las puertas, el terror comienza para no cesar hasta el último minuto. La sinfonía que nos ha preparado Scorsese comienza como una simple cacería policiaca en un instituto mental en la búsqueda de una paciente desaparecida, para luego ahondar en el terror que puede crear y construir la mente humana.

El contexto político de la película ayuda a crear paranoia. Es el año de 1.954, la segunda guerra ha terminado hace 9 años, el holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki lleva nueve años también y la guerra entre Corea del Norte y Corea del Sur finalizó hace un año. La guerra fría haciendo mella y la cacería de brujas iniciada por McCarthy en pleno auge. Con todo este panorama el film no es más que un espejo de ese período. El ingreso de Teddy Daniels para buscar a Rachel Solando, no es otra cosa que la búsqueda de sí mismo y de sus traumas como se evidencia desde el principio. Scorsese, con precisión maestra, no le da la oportunidad al espectador de sobreponerse ante cada información que le da, a pesar que no le esconde nada y aún así lo sorprende a uno, porque el estilo que ha decidido manejar en esta película es por anticipación. Te da muchos detalles para así crearte toda la atmosfera opresiva y hacerte caer como un ratón en un laberinto, un ratón que sabe encontrar la salida pero está se hace más intricada a medida que pasan los minutos.

Giro tras giro, con el fin de poner la ambigüedad de la historia en tela de juicio en cada momento, y con una amplia gama de citas cinematográficas, estas van desde el Cine Expresionista Alemán pasando por Vertigo, (Alfred Hitchcock), Shock Corridor, (Samuel fuller), Out Of Past (Jacques Tourneur), The manchurian Candidate (John Frankenheimer), The Red Shoes y Pepping Tom, (Michael Powell),Repulsion,(Roman Polanski),The Shining, (Stanley Kubrick), para construir la narración en una auténtica declaración de principios que implica la reescritura de lo meta cinematográfico , porque Scorsese ya sabe de antemano que todas las historias están contadas y lo que importa es el Cómo y no el Qué, dando clara muestra de esto en un film que comienza en el terror y termina con la más amable reflexión filosófica vista en su cine en mucho tiempo. No es desacertado conectar Shutter Island con Bringing out of dead en la particular forma de presentar a ambos personajes con sus traumas definidos y un trastorno neurótico que no los deja dormir en paz, Frank Pierce (Nicolas Cage), no podía conciliar sueño y mucho menos alcanzar una redención porque llevaba meses sin salvar una vida como paramédico y sus alucinaciones comienza a aflorar por cada calle de New York que recorre en su ambulancia, Teddy Daniels no logra establecer una diferencia entre lo real debido a que tiene la impronta de la muerte de su esposa y su pasado en la segunda guerra lo acosa a cada minuto hasta volver sus sueños en auténticas pesadillas que no logra decodificar. Toda esta patología puesta al servicio del espectador en una puesta en escena que no deja escapar ningún detalle para acrecentar la pesadilla del Marshall en esa isla huracanada.

Como decía al principio, se ha autodenominado director de contrabando, porque desde la misma raíz de Hollywood, juega con todos sus juguetes y les hace creer que les dará una película más o una nostalgia de los setentas, y no ocurre ni lo uno ni lo otro. Un director que ahonda en ser cada vez más experimental en sus filmes y dotarlos de una energía única. Este temperamento visual ha logrado ascender, (así algunos creen que Martin Scorsese debería realizar más películas sobre New York), la simetría alcanzada con cada uno de sus colaboradores promueve el constante ejercicio de reflexión cinematográfica que es su cine. Thelma Schoonmaker en el montaje otra vez, logrando su veinteava colaboración con el italoamericano, Robert Richardson por cuarta vez en la fotografía, Dante Ferreti en el diseño de producción, desde The Aviator no estaba, Robbie Robertson, viejo amigo del director, como supervisor musical de esa banda sonora que desde ya será referenciada por derecho propio. Como lo ven, Martin Scorsese se reencuentra con algunos de sus colaboradores habituales para Shutter Island, una auténtica obra de terror, confeccionada con extrema delicadeza para un público al que le han vendido un divertimento para comer palomitas y asustarse un poco, (como hizo el estudio y por eso vio atrasado su estreno) aunque las casualidades no son pocas en sus días Pepping Tom pasó por lo mismo, cuando el espectador va a cine no sabe que se va a encontrar. No en vano la sensación se disipa cuando el DR. Naehring (Max Von Sydow), le dice a Daniels: “Men of violence…” Ahí, en ese mismo instante, sabemos que las cosas en este film no son un simple entretenimiento.


1. DR.Naehring (Max Von Sydow) le explica a Teddy Daniels de donde proviene la palabra trauma. Etimológicamente proviene del griego (τραῦμα), significa: herida. De heridas y sueños está llena la mente de Teddy Daniels.
2. El viacrucis que vive el personaje es exaltado, más que por las referencias religiosas que están en el film, se debe a que el trabajo fotográfico de Richardson está lleno de fogonazos lumínicos. En Casino ya había realizado un trabajo que hace pensar en la labor de un iconoclasta por su estilo de iluminación, idónea para los propósitos de Scorsese.